Aborder le spectacle sous l’angle du coaching, c’est utiliser les techniques artistiques d’une autre manière. Il existe des personnes qui utilisent le théâtre, la magie, le chant ou la danse uniquement pour divertir. Une personne qui pratique une activité artistique, peut aussi travailler sur elle-même et obtenir de meilleurs résultats, à condition de rester attentive à sa façon de parler, de bouger et de regarder les autres. Les gens pensent parfois que le spectacle sert uniquement à distraire, car le terme “spectacle” peut désigner une représentation faite devant du public, tandis que le terme “coaching” peut désigner un accompagnement destiné à progresser dans sa vie personnelle ou professionnelle. Mais quelquefois la différence entre les deux n’est pas aussi grande.
Pourquoi les techniques de scène peuvent améliorer la confiance en soi ?
La différence entre une personne habituée à monter sur scène et une personne qui ne le fait jamais est souvent déterminée par sa manière de se présenter devant les autres. Que cela soit lors d’une réunion ou d’un entretien. Une personne qui n’a pas l’habitude de prendre la parole est susceptible d’être moins à l’aise lorsqu’elle doit parler devant plusieurs personnes ou simplement répondre à une question en étant regardée.
Une personne habituée à la scène, en revanche, travaille plus régulièrement sa façon de parler et de se tenir. L’interaction peut se faire à la fois par la voix, par le regard et par le langage corporel. Le but n’est pas seulement de parler plus fort, mais aussi de mieux utiliser son corps devant les autres.
L’exemple le plus simple est celui du comédien. Dans un spectacle, il doit incarner un personnage et oublier pendant quelques minutes la peur d’être jugé. Il peut être inquiet avant de commencer, mais il doit malgré tout entrer dans son rôle. Pour maintenir l’attention et l’intérêt du public, chaque geste est accompagné d’une intention, où la voix et la posture permettent de mieux faire comprendre ce qui est raconté.
L’importance de la présence et de l’expression face à un public
Une autre différence entre une personne qui travaille régulièrement devant du public et une personne qui ne le fait pas réside dans la manière d’occuper l’espace. Dans un spectacle, l’artiste doit faire participer le public et le divertir grâce à sa présence. L’objectif principal du spectacle est de transmettre quelque chose et de retenir l’attention.
Ce type de travail est plus structuré et est souvent accompagné d’exercices qui permettent de fournir une direction dans la manière de parler, de se déplacer et de regarder les autres. L’objectif du coaching est d’aider la personne à se sentir plus à l’aise lorsqu’elle doit prendre la parole.
En revanche, les personnes qui parlent devant un groupe dégagent parfois une toute autre impression lorsqu’elles savent utiliser leur posture. Le but n’est pas simplement de réciter un texte. Il ou elle peut connaître parfaitement son sujet, mais le but est que les personnes continuent à écouter le plus longtemps possible. Pour s’assurer que le public reste attentif, il est recommandé de varier le rythme à certains moments, afin que les personnes soient obligées de rester concentrées sur ce qui va être dit ensuite.
Ce que les artistes apprennent sur la gestion du trac
Les rituels avant une performance
La différence entre un artiste habitué à monter sur scène et une personne qui doit parler occasionnellement devant du public peut aussi se voir avant même que la prestation commence. Que cela soit pour un spectacle ou pour une réunion importante. Un artiste peut avoir préparé son travail pendant plusieurs jours et ressentir malgré tout une certaine tension avant de commencer.
Pour beaucoup d’artistes, cette tension est accompagnée de petites habitudes. Une respiration. Quelques mouvements. Une répétition rapide. L’objectif principal est de se préparer avant d’entrer devant le public.
Une personne qui doit prendre la parole peut utiliser le même principe. Elle peut revoir les premières phrases qu’elle va prononcer et essayer de respirer plus lentement. Ce type de préparation est plus simple qu’un véritable travail artistique, mais il peut malgré tout aider à démarrer plus facilement.
Transformer l’anxiété en énergie créative
Une autre différence entre une personne qui découvre le trac et un artiste professionnel réside dans la manière dont cette sensation est ressentie. Une personne peu habituée peut penser que le stress signifie qu’elle ne va pas réussir. Un artiste professionnel, en revanche, sait que cette tension peut exister même lorsqu’il est bien préparé.
Le trac ne disparait donc pas toujours. Il peut même être utile à certains moments du spectacle. Le cœur bat plus vite, l’attention augmente et la personne devient plus sensible à ce qui se passe autour d’elle.
L’exemple le plus connu est celui de l’artiste qui attend quelques secondes avant d’entrer en scène. Il peut ressentir une forte tension, puis commencer son spectacle normalement lorsque le rideau s’ouvre. Pour maintenir son attention et celle du public, il utilise cette énergie au lieu d’essayer de la supprimer complètement.
Les parallèles entre performance artistique et développement personnel
Une autre différence entre la scène et le développement personnel réside surtout dans le but recherché. Dans un spectacle, l’artiste cherche à divertir. Dans le développement personnel, la personne cherche plutôt à progresser dans sa manière de réagir ou de communiquer.
Pourtant les deux utilisent quelquefois les mêmes mécanismes. Une personne doit apprendre à mieux se connaitre et à accepter certaines erreurs. Elle doit aussi comprendre que tout ne se passe pas toujours comme prévu.
Un artiste peut oublier une phrase, avoir un problème avec un accessoire ou être surpris par une réaction du public. Il doit malgré tout continuer. Le but n’est pas d’arrêter le spectacle à la première difficulté.
Dans le développement personnel, le principe peut être similaire. Une personne peut préparer une intervention et constater que la situation change. Elle doit alors s’adapter. Pour s’assurer qu’elle ne reste pas bloquée, il est recommandé de travailler sur de petites situations imprévues, afin de devenir plus à l’aise lorsque quelque chose ne se déroule pas comme prévu.
Quand les spectacles deviennent des expériences inspirantes
La différence entre un spectacle simplement regardé et un spectacle qui reste dans la mémoire est souvent déterminée par l’émotion ressentie par le public. Que cela soit un rire, une surprise ou un moment plus calme. Une représentation peut être agréable sans forcément laisser un souvenir important.
Un spectacle plus marquant, en revanche, provoque souvent une réaction plus forte. Le public peut voir une personne faire quelque chose qu’il pensait difficile ou impossible. L’objectif principal reste de divertir, mais le spectacle peut également donner envie de réfléchir à ce que l’on pourrait faire soi-même.
L’exemple le plus simple est celui d’une personne qui n’ose pas parler devant plusieurs personnes. Dans un spectacle, elle peut regarder un artiste entrer devant tout le monde, prendre sa place et continuer même après une petite erreur. Elle comprend alors que la réussite ne dépend pas toujours du fait que tout soit parfait.
Pour maintenir l’attention et l’intérêt du public, chaque spectacle utilise aussi plusieurs rythmes. Un moment drôle peut arriver après un passage plus calme. Une surprise peut être placée juste avant une scène plus importante. Découvrir une page permet de voir comment certains artistes travaillent cette manière de retenir l’attention.
Les techniques d’improvisation utiles dans le coaching
S’adapter à l’inattendu
La différence entre une scène préparée et une scène improvisée est déterminée par la quantité de choses connues avant de commencer. Dans une scène préparée, les participants savent généralement ce qu’ils doivent dire. Dans l’improvisation, une partie de la situation n’est pas connue à l’avance.
Que cela soit avec deux personnes ou avec un groupe. Une personne propose une idée et l’autre doit continuer. Un exercice d’improvisation organisé entre débutants est susceptible d’être assez simple, tandis qu’un exercice plus avancé demande davantage d’attention et de rapidité.
L’improvisation, en revanche, oblige le participant à écouter ce qui vient d’être dit. Il ne peut pas toujours préparer sa réponse plusieurs secondes à l’avance. L’interaction peut se faire à la fois par la parole, par les gestes et par la réaction du partenaire.
Pour maintenir la cohérence de la scène, chaque participant doit reprendre une partie de ce que l’autre vient de proposer. Le but est de continuer plutôt que de bloquer la situation.
Développer la complicité et l’écoute active
Une autre différence entre une conversation habituelle et un exercice d’improvisation réside dans l’attention portée à l’autre personne. Dans une conversation, il arrive souvent que quelqu’un prépare déjà sa réponse pendant que l’autre parle encore.
Dans un exercice d’improvisation, cela devient plus difficile. Le participant doit écouter ce qui vient d’être dit et modifier sa réponse en fonction de cette information. Une petite phrase peut changer complètement la suite de la scène.
L’objectif principal est donc de construire quelque chose à plusieurs. Ce type d’exercice est plus structuré qu’il n’en a l’air et oblige chacun à faire confiance aux autres. L’objectif de cette communication est d’aider le groupe à continuer à avancer sans que chaque personne cherche à contrôler seule la situation.
Comment les émotions vécues lors d’un spectacle marquent durablement ?
La différence entre une information entendue et une situation vécue avec émotion est souvent déterminée par le souvenir que l’on en garde. Que cela soit une surprise ou un moment drôle. Une personne peut oublier assez rapidement une information, tandis qu’une émotion peut rester beaucoup plus longtemps.
Dans un spectacle, l’artiste cherche justement à provoquer cette réaction. Il doit faire participer le public et le maintenir dans l’attente. L’objectif principal est de créer un moment qui sera regardé avec attention.
L’exemple le plus connu est celui de la surprise. Le public pense savoir ce qui va se passer, puis quelque chose d’autre arrive. Il peut rire, être étonné ou rester silencieux pendant quelques secondes.
Pour maintenir l’attention et l’intérêt du public, chaque effet est souvent accompagné d’un moment plus calme. Cela permet au public de reprendre son souffle et de mieux apprécier ce qui va suivre.
Dans le coaching, le principe peut être utilisé d’une autre manière. Une personne qui réussit à parler devant plusieurs personnes alors qu’elle pensait ne pas pouvoir le faire peut conserver ce souvenir. Elle pourra le réutiliser lorsqu’une autre situation difficile se présentera.
Le rôle du spectacle dans la cohésion de groupe
Créer un souvenir collectif
La différence entre une activité faite seul et une activité vécue à plusieurs réside dans le souvenir commun qui peut rester après. Que cela soit en famille, entre amis ou entre collègues. Un spectacle regardé en groupe permet à plusieurs personnes de vivre le même moment.
Un spectacle organisé pour une équipe est susceptible de créer plusieurs réactions communes. Certaines personnes rient ensemble. D’autres sont surprises au même moment. Le public peut ensuite reparler de ce qu’il a vu.
L’objectif principal du divertissement est de faire passer un bon moment. Mais ce type d’expérience peut également permettre à des personnes qui parlent peu ensemble d’avoir quelque chose en commun après la représentation.
Dépasser les barrières grâce à la création artistique
Une autre différence entre regarder un spectacle et participer à sa préparation réside dans la place occupée par les participants. Dans un spectacle regardé, le public reste principalement spectateur. Dans un atelier, les participants doivent intervenir.
Une personne peut proposer une idée, une autre peut la compléter et une troisième peut faire quelque chose de complètement différent. Le groupe doit alors trouver une manière de continuer.
En revanche, les positions habituelles peuvent changer. Un responsable peut avoir plus de difficultés qu’un autre participant dans un exercice artistique. Une personne habituellement discrète peut être beaucoup plus à l’aise.
Le but n’est pas de supprimer les rôles de chacun. Il ou elle peut reprendre ensuite sa place habituelle, mais l’expérience permet quelquefois de regarder les autres d’une autre façon.
Les artistes comme sources d’inspiration pour les managers
Une autre différence entre un artiste et un manager réside dans le type de travail qu’il doit effectuer. Dans un spectacle, l’artiste doit faire participer le public et le divertir grâce à son talent. Dans une entreprise, le manager doit plutôt expliquer, organiser et faire avancer une équipe.
Pourtant certaines situations peuvent être assez proches. Le manager peut devoir parler devant plusieurs personnes et garder leur attention. L’objectif principal n’est pas de divertir, mais de faire comprendre un message.
Ce type de prise de parole est plus structuré lorsqu’il utilise certaines techniques de scène. La personne peut apprendre à utiliser sa voix, son regard et sa posture. L’objectif est d’aider le groupe à mieux suivre ce qui est expliqué.
En revanche, un manager n’a pas besoin de devenir comédien. Le but est d’utiliser quelques techniques ici et là, mais le but principal reste que le message soit compris le plus clairement possible.
Pour s’assurer que les personnes restent attentives, il est recommandé de varier légèrement le rythme à certains moments, afin que le groupe soit obligé de se concentrer sur les informations plus importantes à venir.
Les magiciens, musiciens ou comédiens utilisent ces techniques depuis longtemps. Découvrir la page permet de voir comment certains artistes utilisent cette relation avec leur public.
- Découvrir les techniques de scène pour mieux prendre la parole devant plusieurs personnes
- Utiliser la posture et les gestes pour accompagner ce qui est dit
- Reprendre certains rituels d’artistes pour mieux gérer le stress
- Créer des moments communs afin d’améliorer les relations dans un groupe
- Utiliser l’improvisation pour apprendre à réagir lorsque quelque chose n’était pas prévu
